On dit adieu à Cannes avec l’un de ses meilleurs films : Elvis de Baz Luhrmann (Nouvelle-Galles du Sud, 1962), neuf ans après qu’il nous ait offert son dernier long métrage – Gatsby le Magnifique (2013) – et trente ans après ses débuts au cinéma avec L’amour est dans l’air (1992). Voyons ce que je peux te dire Elvis? Par ailleurs le premier sentiment extrêmement instinctif et angoissant qui m’a projeté dans le fauteuil du Palais de Cannes, où je l’ai vu : C’est un vrai bang ! C’est une vraie merveille !!! Arfgh. Nous sommes désolés. Je devais d’abord éliminer cela. Soyons un peu plus précis. Elvisun film destiné à balayer les salles et à déclencher une « Elvismania » qui fera que le monde entier jouera et entendra à nouveau des chansons d’Elvis Presley, est le récit terrifiant, glorieux, ringard et mortel de l’épopée excessive de l’une des icônes les plus importantes de l’histoire de la musique moderne. Bien qu’en soi Elvis (un grand Austin Butler, vous vous souviendrez de lui comme l’un des meneurs du gang des Manson dans Once Upon a Time…in Hollywood (2019)), il n’est pas le protagoniste-narrateur de l’histoire qui occupe le plaisir du sinistre colonel tom parker -l’adorable Tom Hanks, même dans son maquillage grotesque-, Manager d’Elvis Presley et en grande partie responsable de nombreux problèmes (économiques) et traumatismes (psychologiques) qu’Elvis a subis dans sa vie Pris au piège dans une cage dorée à Las Vegas jusqu’à la fin de sa vie, gonflé de pilules et succombé à l’agoraphobie. Le film couvre pratiquement toute sa vie, depuis son premier enregistrement pour Sam Phillips sur Sun Records jusqu’à sa mort soudaine et inattendue à l’âge de 42 ans en 1977. Mais s’il vous plaît, ne le lisez pas comme ça.Ou s’habituer à l’idée que c’en est une biopic ordinaire (Regardez comme John Carpenter était bizarre, Elvis (1979), et à côté de celui extrêmement conventionnel de Luhrmann), parce que Elvis est un véritable tsunami d’images et de sonsplus vite, plus fort, plus spectaculaire, kitsch, baroque et incontrôlable que tout ce que Luhrmann a fait auparavant. Wow, Moulin Rouge (2001) ressemble à un film d’Ozu à côté de la machine à poinçonner les plans et les séquences qu’il est Elvis.

Le génie est double. D’abord parce que Luhrmann sait comment transformer le véritable Eros d’Elvis Presley en images superlatives. Et deuxièmement, parce que le film, bien qu’il parte d’un territoire mythique, pas réel, et que l’hypertrophie soit partout, est beaucoup plus véridique que n’importe quel document historique existant et gravé dans le marbre. C’est pourquoi Elvis C’est plus un film sur la légende qu’était Elvis Presley (avec toutes ses lumières et avec toutes ses ténèbres), celui-ci sur l’histoire vraie d’un enfant de Tupleo (Mississippi) qui a changé l’histoire de la musiquesera le premier phénomène pop du XXe siècleOui à la fin dévoré parJe suis d’accord, tous ces gens qui prétendaient l’aimer et le protéger. Elvis était aussi une entreprise imparable, même si c’était plus à blâmer pour le sinistre colonel, un roi du merchandising, un roi de la scène, un roi qui savait comment surmonter même ses films plutôt horribles –aime moi tendrement (1956), Jailhouse Rock (1957), Filles ! Fille! Fille! (1962)-, sur le discrédit auquel la North American League of Decency cherchait à le condamner, sur ses disques de Villancio, et sur les signes des temps, tant sociaux (l’assassinat de Luther King et des frères Kennedy) que musicaux ( la comédie musicale de rodage signifiée à la fois par les Beatles et les Rolling Stones). Oui Luhrmann dirige tout cela comme s’il s’agissait d’un clip vidéo géant de 42 heures: Des images qui se fondent les unes dans les autres et qui pourtant ont une fluidité narrative barbare, une mise en scène (et un grossissement) mimétique. images emblématiques du roi dans ses émissions de télévision directesun échantillonneur continu de chansons d’Elvis mixées avec des rythmes trap, salsa, hard rock, disco… Le film ne vous laisse même pas le temps de cligner des yeux car vous avez raté au moins 30 clichés. C’est le cinéma IMAX dans toute sa splendeur. Mieux vaut le voir au cinéma car si vous attendez de le voir sur un quai de train vous raterez la moitié de la foire.

Passons au cinéma espagnol. Hors compétition, dans la section Cannes Première, on a pu voir le nouveau film de Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981), As bestas. Librement basé sur une histoire vraiele nouveau film du réalisateur de Riot Control (2020) – non seulement son meilleur travail mais l’une des meilleures séries jamais tournées en Espagne – raconte l’épreuve d’un couple d’émigrés français qui ont l’intention de démarrer un jardin biologique dans un petit village d’Orense et est harcelé par une famille de voisins qui est confrontée à un accord abrégé pour construire un parc éolien dans la région. L’Espagne noire des braconniers (1975) et El Crimen de Cuenca (1980), quelque chose comme le nôtre Cañí Gothique, charges entre les mains d’un Sorogoyen ultra-stylisé – c’est peut-être le film dans lequel la caméra bouge le moins et les prises sont les plus longues : la discussion dans le bar est impressionnante – une histoire vraie de terreur rurale dans laquelle le groupe la tension crescendo atteint des limites presque insoutenables. Construit comme une charnière film avec deux parties symétriques mais différenciées, au meilleur des cas il se replie sur lui-même sans cesser de s’étendre. Sorogoyen prend des risques et bien que le métrage soit encore une fois excessif (comme dans 98% des films de ce festival), il parvient à composer un film qui joue la menace latente – les incroyables Luis Zahera et Diego Anido en frères sinistres l’impuissance mêlée à la ténacité de ses protagonistes – les acteurs français Denis Ménochet et Marina Foïs – un film extrêmement violent sur le plan psychologique. Sorogoyen ne cesse de grandir.

Et nous terminons avec le Roi Soleil des cinéastes : Albert Serra, qui continue d’insister pour que tout le monde parle des bêtises qu’il laisse échapper dans les interviews, plutôt que de ce qui compte vraiment sur la qualité de ses films. Evidemment son cinéma n’est pas pour tout le monde, il est rigoureux, il est exigeant et il est extrême, tant formellement que conceptuellement honneur chevaleresque (2006) comme Liberté (2019). Dans son nouveau film Pacifiction, présenté hier à Cannes compétition officielle -ce qui est un grand événement en soi : les cinéastes espagnols de la section officielle du XXIe siècle à part Almodóvar… il y en a très peu- suit les traces d’un diplomate français sur une île perdue en Polynésie qu’il projette d’installer menace de test Un brillant Benoît Magimel – habillé et coiffé comme Serra – en devient un flâneur amateur qui essaie d’éviter la débâcle alors qu’il est impliqué dans des conversations et des conspirations en spirale alors que l’histoire s’éloigne du domaine de la réalité vers le domaine de l’onirique (ou surréaliste qu’il y a des moments que David Lynch aurait vaincus). .le sourire). Serra, qui n’a pas traité aussi intensément l’extérieur depuis El cant del ocells (2008) – bien que dans son cinéma jusqu’à présent l’extérieur ressemble toujours à un intérieur -, vivre des moments vraiment incroyablesdont une séquence où le diplomate essaie de surfer des vagues sur un jet ski, ce qui, je n’exagère pas, C’est peut-être la meilleure séquence vue à ce festival. Montagnes impressionnantes. Peut-être pour cette raison, pour compenser, il inclut des photos aériennes tirées d’un documentaire National Geographic. Espérons que ce film cessera de parler de ce que Serra dit et commencera à applaudir ce que Serra fait.

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